segunda-feira, 23 de outubro de 2017

Guilty Pleasures - A hexalogia "Resident Evil"

Eu cresci jogando os três primeiros títulos da Capcom, ficava apavorado cada vez que o Nemesis aparecia no terceiro, adorei a versão remasterizada do original que jogava no lixo aquelas inserções iniciais em live action vergonhosas, em suma, nutro carinho nostálgico por “Resident Evil”. Não acompanho mais como jogador, eu parei no terceiro, mas tenho eles no PS3, de vez em quando mato a saudade. Eu teria todos os motivos para desprezar as adaptações para o cinema. Os roteiros têm furos gigantescos, estabelecem regras que são desrespeitadas posteriormente, esquecem de fatos importantes e frequentemente reescrevem a história, personagens importantes do jogo são inseridos, visualmente fiéis, mas sem qualquer relevância e, para piorar, somem sem explicação, abusam da clonagem como reviravolta pífia e os diálogos são uma colcha de retalhos de frases de efeito. Ok, senhor juiz, este é um caso muito difícil de defender, mas há um elemento que redime todos os equívocos: Milla Jovovich. 

Foi paixão cinematográfica à primeira vista, depois que a conheci em “O Quinto Elemento”, eu pagaria ingresso para vê-la encarando a câmera por três horas enquanto lê um dicionário. O roteirista/diretor Paul W. S. Anderson é seu marido na vida real e eu compreendo perfeitamente porque ele faz desta franquia uma reverência apaixonada à sua musa, apesar da personagem Alice simplesmente não existir nos jogos. Ela é linda, ótima atriz e uma pessoa extremamente gentil, basta você procurar os vídeos de entrevistas, a forma carinhosa como ela trata os fãs da franquia, sem estrelismo, sem frescura, aquela simpatia natural cada vez mais rara na indústria. Como crítico de cinema, eu escrevi sobre alguns filmes da série, os elogios foram poucos, a minha crítica para o quinto pode levar qualquer pessoa a acreditar que eu odiei a experiência. É o trabalho do crítico apontar falhas, mas um ponto fascinante nesta arte é que, mesmo consciente de que são filmes fracos e com sérios problemas, você ainda pode se divertir sobremaneira com eles. Não é sempre que isto acontece, por exemplo, eu consigo até suportar “Transformers”, que vejo como uma comédia sexual adolescente que faz o possível com sua trama absurdamente estúpida, mas as sequências me causam ânsia de vômito, ou “Velozes e Furiosos”, que com exceção do primeiro e do quinto, altamente competente filme de ação, são irritantemente superficiais. Já com “Resident Evil”, os seis são despretensiosos filmes B, curtos e objetivos, que entregam exatamente aquilo que prometem. Vale destacar que as tramas dos jogos originais não são lá grande coisa, o que os torna memoráveis é a dinâmica, o tom, o senso de ameaça, o conceito narrativo criado para os filmes é muito mais instigante e universalmente atraente. E, claro, não custa repetir, são protagonizados pela Milla Jovovich. I rest my case.


Resident Evil: O Hóspede Maldito (Resident Evil - 2002)
O diretor havia sido o responsável pela melhor adaptação de videogame até aquele momento, “Mortal Kombat”, logo, a esperança era forte. E, sejamos sinceros, os equívocos são poucos nesta primeira aventura. A essência do jogo foi respeitada, a trama ainda se preocupava em respeitar algumas convenções do horror, apesar do nível de gore ser comportado demais, entretenimento acima da média valorizado por sequências criativas, como a da armadilha laser no corredor. O que poucos lembram é que a tendência atual de protagonistas femininas em filmes de ação mainstream deve muito à “Resident Evil”. Após o sucesso da Ripley de “Alien” e sua sequência marombada, a indústria flertou poucas vezes com heroínas fortes. A franquia não trazia apenas uma protagonista poderosa, as coadjuvantes também foram marcantes. O figurino não a tornava sexualizada, não era a satisfação de um fetiche masculino, Alice era naturalmente sexy. 


Resident Evil 2: Apocalipse (Resident Evil: Apocalypse - 2004)
A ideia por trás da presença de Nemesis é muito mais interessante no filme do que no jogo, o roteiro insere uma camada emocional que o torna relevante, não apenas um monstro unidimensional. Alice teve seus genes modificados, ela se torna uma espécie de Jedi. Jill Valentine, a personagem mais famosa dos jogos, faz sua estreia no cinema sendo vivida por Sienna Guillory, mas a sua figura é tão estereotipada que destoa da abordagem mais naturalista dominante. É meio frustrante ver Nemesis e Alice saindo no braço, o filme falha terrivelmente em captar o senso de ameaça do vilão no terceiro jogo.


Resident Evil 3: A Extinção (Resident Evil: Extinction - 2007)
Se você ignorar que neste cenário apocalíptico em que os sobreviventes lutam diariamente no deserto, todos estão maquiados e vestidos como se estivessem preparados para um desfile de moda, com penteados impecáveis e rostos limpos, talvez você possa enxergar que este é o melhor filme da franquia, o mais consistente, mérito da direção do experiente Russell Mulcahy, de "Highlander - O Guerreiro Imortal". Ainda bem que aprenderam anos depois com "Mad Max: Estrada da Fúria", abandonaram o estilo novela bíblica brasileira e optaram no sexto (antes tarde do que nunca) por uma paleta suja, compreendendo que um figurino realista é fundamental na imersão dos espectadores, especialmente quando o roteiro não prima pelo brilhantismo.


Resident Evil 4: Recomeço (Resident Evil: Afterlife - 2010)
A grande sacada destes três últimos projetos é a esperta utilização do 3D, inegável que Anderson é um mestre nesta arte, ele consegue trabalhar o recurso em cenas escuras, com edição frenética, sem causar ataques epiléticos na plateia. Visto em casa, perde um pouco do encanto, mas abandonando as amarras de qualquer senso lógico e metendo o pé no acelerador, o filme aproveita a química da dupla Jovovich e Ali Larter, que vive Claire Redfield, um dos pontos altos do anterior, inserindo também mais um monstro visualmente impactante, o gigante do machado. A cena em que as duas enfrentam o vilão no banheiro da prisão da penitenciária é espetacular.


Resident Evil 5: Retribuição (Resident Evil: Retribution - 2012)
Com um orçamento maior e uma direção de arte inspirada, Anderson consegue elevar o escopo da ameaça para uma escala mundial, mas o roteiro raso falha em acompanhar esta escalada. É o filme da franquia com mais cara de videogame, episódico, exagerado, com algumas escolhas tolas e desnecessárias, como a ideia de iniciar com uma cena de ação de trás para frente. O ponto alto foi inserir na jornada de Alice uma criança em perigo. Pode ser clichê, mas é bonita a cena em que a menina desesperada pergunta se ela é mesmo sua mãe, já que acaba de descobrir a fábrica de clones com suas réplicas. "Blade Runner" bastante diluído, com dose generosa de açúcar.


Resident Evil 6: O Capítulo Final (Resident Evil: The Final Chapter - 2016)
O roteiro injeta uma sempre bem-vinda crítica à religião organizada na figura do Dr. Isaacs, vivido por Iain Glen, espécie de Richard Chamberlain genérico, que já havia sido assassinado no terceiro, mas que voltou porque ficou mundialmente famoso com "Game of Thrones". O tom e o trabalho de câmera ainda mais frenético que o usual na franquia foram claramente inspirados em "Mad Max: Estrada da Fúria". É engraçado que o início ignora completamente o gancho deixado no final do anterior, resolvendo tudo com uma linha de diálogo jogada no terceiro ato. A reviravolta final é bacana, apesar de não surpreender, já que o roteiro entrega o mistério logo nos primeiros minutos em flashback. Há a sugestão de sacrifício pela salvação da humanidade, elemento clássico, mas Anderson se recusa a matar sua esposa na tela grande. Eu não o culpo, terminar com Milla Jovovich sorrindo para a câmera é sempre o melhor caminho.

sexta-feira, 20 de outubro de 2017

"Milano Odia: La Polizia non Può Sparare", de Umberto Lenzi


Milano Odia: La Polizia non Può Sparare (1974)
Umberto Lenzi é conhecido pelos cinéfilos mais dedicados por seus trabalhos no terror, mas, apesar de ser meu gênero de formação, confesso que não gosto de seus filmes mais populares do ciclo canibal italiano, como “Canibal Ferox”, “Cidade Maldita”, ou “Vivos Serão Devorados”. Ele demonstrou muito mais talento ao experimentar com os gialli “A Lâmina de Aço” e “Sete Orquídeas Manchadas de Sangue”, ou no faroeste spaghetti “Uma Pistola Para Cem Caixões”. E sua obra-prima é “Milano Odia: La Polizia non Può Sparare”, clássico poliziotteschi que considero superior à sua obra-irmã mais celebrada “Roma a Mano Armata”, também dirigida por Lenzi e lançada dois anos depois. O roteiro é do craque Ernesto Gastaldi, que no ano anterior havia escrito o inesquecível “Meu Nome é Ninguém”, de Tonino Valerii, trabalhando a ideia de Sergio Leone, e anos depois ajudaria Sergio Martino no ótimo giallo “Torso”. 

O cubano Tomás Milián, de “O Dia da Desforra”, em seu melhor momento, vive um bandido medíocre e inseguro que encontra na possibilidade do sequestro de uma jovem filha da alta sociedade a chance de se provar competente. E, para piorar, a sua intenção é clara desde o início, ele quer pegar a grana do resgate e matar a garota. Não é apenas pelo dinheiro, a guerra dele é pessoal contra o sistema que, em sua mente distorcida, elege os sortudos e os azarados. Para ele, a classe policial é fraca, facilmente corruptível, limitada a seguir a lei. Sádico, até mesmo os comparsas questionam este posicionamento radical, com a consciência de que eles mesmos podem se tornar alvos de sua ira. Ele só não esperava encontrar em seu caminho o inspetor mais linha dura da cidade, vivido por Henry Silva e seu rosto lapidado a cinzel, alguém que descobre que a única forma de vencer no caso é se tornando mais louco que o bandido, logo, abandonando as amarras legais. 

O tom é pesado, o nível de violência é alto, o roteiro não faz concessões, seguindo a linha de “Desejo de Matar”, de Michael Winner, lançado no mesmo ano. E vale ressaltar a espetacular trilha sonora do mestre Ennio Morricone. Grande obra que merece maior reconhecimento. 

Rebobinando o VHS - "Gymkata - O Jogo da Morte"


Ideia estapafúrdia semelhante, apenas em “Born to Fight”, filme tailandês de 2004, vale salientar, muito mais divertido que esta bomba que hoje resgato no texto. O diretor Robert Clouse, responsável por “Operação Dragão”, pouco antes de entregar o melhor momento de Cynthia Rothrock, a pérola “China O’Brien”, desafia os limites do bom senso em “Gymkata”.


Gymkata - O Jogo da Morte (Gymkata - 1985)
A missão suicida: enfrentar ninjas exóticos, escapar de flechas mortais e defender o mundo ocidental em um torneio similar às provas das clássicas Olimpíadas do Faustão, chamado “O Jogo”, em um vilarejo no fictício reino do Parmistão. O herói da fita: um campeão de ginástica olímpica, Kurt Thomas, que nunca mais atuou, passa por um treinamento intensivo de artes marciais que consiste em subir uma escada plantando bananeira, habilidade que o permite se tornar um agente secreto norte-americano. Por sorte, ele encontra muitas barras fixas nas ruelas, além de um incrível cavalo com alças disfarçado no meio da praça da cidade, elemento imprescindível na cena de ação mais hilária do roteiro. O nobre objetivo: utilizar o prêmio, a realização de um desejo do vencedor pelo rei, para instalar um sistema de satélites de defesa no país. Nada faz sentido, a diversão é garantida. 

Vale destacar a presença do lutador Richard Norton, presença marcante em várias pérolas C da época, vivendo o guerreiro do rei, apaixonado pela princesa, a gatinha filipina Tetchie Agbayani. Quando ela demonstra estar mais interessada no Diego Hypólito karateca, ele se revolta e passa a objetivar assassinar o rapaz o mais rápido possível. Mas quando o filme parece estar fadado à obviedade narrativa, o terceiro ato surpreende com toques de terror, o herói precisa atravessar uma vila fantasma dominada por seres bizarros, como um homem com um segundo rosto na nuca, cena que me apavorava na infância. Claro, tudo orquestrado como humor involuntário, “Gymkata” não esconde se tratar de uma despretensiosa paródia do gênero. 

O filme era exibido com frequência na Bandeirantes durante a década de noventa, mas a capa do VHS é inesquecível, ainda que poucos tivessem coragem de pagar para ver. 

terça-feira, 17 de outubro de 2017

"A Rainha do Mar", de Mervyn LeRoy


A Rainha do Mar (Million Dollar Mermaid – 1952)
Esther Williams tinha um carisma impressionante, capaz de segurar sozinha a responsabilidade de lucrar com filmes em que o ponto alto se resumia a braçadas na piscina, algo jamais repetido na história do cinema musical. O seu sorriso caloroso derretendo os corações masculinos, o corpo escultural lapidado de nadadora profissional. O seu melhor trabalho, “A Rainha do Mar”, acaba de ser resgatado em DVD pela distribuidora “Studio Classic”, oportunidade de ouro para que a nova geração se encante com a sereia mais espetacular do cinema.

Dirigido por Mervyn LeRoy, o roteiro é livremente inspirado na vida da australiana Annette Kellerman, pioneira artista que tentou atravessar o canal da Mancha a nado e escandalizou o mundo em 1907 ao ser detida por atentado ao pudor na praia, por causa de seu maiô de peça única. Hoje, 110 anos depois, com Trump na presidência dos Estados Unidos, Bolsonaro ganhando espaço no Brasil e adultos tentando fechar museus, liderados pelas “pessoas de bem” que enxergam o reflexo de sua maldade na arte, vale destacar que a tecnologia pode ter evoluído muito, mas a sociedade, em grande parte, segue chafurdando na lama da estupidez. Williams já havia protagonizado a refilmagem de “A Filha de Netuno”, outrora veículo de Kellerman, logo, as histórias das duas se misturaram no inconsciente coletivo do público da época. Victor Mature não faz feio como o empresário inconsequente e apaixonado, mas quem emociona é Walter Pidgeon, vivendo o pai da jovem, inicialmente preocupado com suas escolhas profissionais, ele percebe rapidamente que nenhuma força no mundo iria impedir a filha de conquistar seus objetivos. Se nem a poliomielite foi capaz de destruir seus sonhos, o medo natural dando lugar ao desejo por explorar suas limitações físicas, seria questão de tempo para que a felicidade injetasse significado maior à sua vida.

As coreografias aquáticas intensamente criativas de Busby Berkeley, balé que ainda hoje se mostra eficiente, emolduradas pela fotografia onírica de George J. Folsey, garantem entretenimento de altíssimo nível. 






* O filme está sendo lançado em DVD pela distribuidora "Studio Classic", com opção de dublagem em português.

"O Bar", de Álex de la Iglesia


O Bar (El Bar – 2017)
Quem não conhece a obra do diretor espanhol Álex de la Iglesia, precisa urgentemente ver “Balada do Amor e do Ódio”, “A Comunidade” e “O Dia da Besta”. O seu novo projeto, “O Bar”, traz sua inimitável verve irônica com toques generosos de terror, uma identidade autoral facilmente reconhecível logo nos primeiros minutos desta fantástica alegoria. Estranhos tipos que se cruzam em um bar, caricaturas de diferentes classes sociais, idades e posicionamentos políticos, impedidos de sair pelo medo que sentem do desconhecido, motivados pelo ódio que extravasam ao primeiro sinal de perigo. 

A união diante da ameaça, bela utopia, dá lugar ao egoísmo extremo. O elemento externo, o ceifador que elimina rapidamente qualquer um que ouse deixar o local, existe como necessidade narrativa para suscitar discussões valiosas, especialmente nos tempos atuais, em que dignitários irresponsavelmente celebram o confronto, construindo muros ao invés de pontes. Os personagens, em questão de minutos, passam a desconfiar de tudo e todos, facilmente expondo preconceitos arraigados e alimentados por compreensões rasas de manchetes sensacionalistas, a simples convivência se torna o maior desafio. A barba grande do jovem hipster é motivo para que todos acreditem que ele é um terrorista. O mendigo que, no cotidiano, já era tratado como peça irrelevante no cenário, passa a ser visto como opção única para o sacrifício, ele não merece estar vivo. E, inteligentemente, o roteiro vai desenvolvendo os personagens no segundo ato, subvertendo estereótipos, conduzindo os sobreviventes ao esgoto, escuridão e excremento, forçados a abandonar ego e ilusões sociais. 

A razão para o caos pouco importa, espertamente não há esforço no sentido de explicar o que acontece fora daquele microcosmo, o foco é a interação das vítimas do fenômeno, basta analisar a nossa realidade diária para perceber que o ser humano não precisa de motivos para apedrejar, segregar e odiar, está em sua natureza. Se você prestar atenção na simbologia do desfecho, vai entender que o bar, as pessoas que estavam dentro dele, não qualquer força sobrenatural ou vírus apocalípticos, representavam perigo real para a sociedade. A negação da empatia, a rapidez no julgamento sem embasamento, a cultura de uma vida de aparência, a lucidez sendo subjugada pelo pensamento extremista, o desinteresse pelo aprimoramento intelectual constante. O vilão é o reflexo no espelho. 

segunda-feira, 16 de outubro de 2017

Faces do Medo - "O Mistério de Candyman"


O Mistério de Candyman (Candyman - 1992)
Quando aluguei esta fita VHS na época de seu lançamento, achei que se tratava de mais um terror engraçadinho, não sabia de sua conexão com Clive Barker, mestre por trás de “Hellraiser” e do subestimado “Raça das Trevas”. É a adaptação do conto “O Proibido”, da obra “Livros de Sangue – 5”, um interessante trabalho sobre o tema das lendas urbanas, mas inferior ao roteiro cinematográfico. Só fui rever o filme recentemente, mas nunca esqueci o impacto daquela noite. A sua trama se manteve gravada em minha mente, as abelhas na boca, os reais cenários decrépitos do conjunto habitacional Cabrini-Green, a imponente figura de Tony Todd e o sangrento gancho enferrujado no lugar de sua mão.

O tom de ameaça constante alcançado pelo diretor Bernard Rose engrandece as convenções típicas de um slasher, ajudado por uma trilha sonora incrivelmente imersiva de Philip Glass e pela entrega competente da bela Virginia Madsen, que vive uma antropóloga que está escrevendo uma tese sobre lendas urbanas, seduzida pela história de Candyman, o assassino da periferia de Chicago, que aparece nas costas de qualquer pessoa que repita seu nome cinco vezes encarando o espelho. A crítica social apurada é mérito do filme, o personagem no livro é loiro e atua na Inglaterra, o conceito de utilizar o medo de se estar inserido em uma sociedade racista e as cicatrizes psicológicas da escravidão como pano de fundo agrega camadas de interpretação muito mais instigantes, transformando o que seria um monstro convencional em um anti-herói enigmático de origem trágica.

Analisado no contexto pobre do gênero na década de noventa, “O Mistério de Candyman” se destaca como pérola do terror adulto de raro valor que merece ser redescoberta pela nova geração. 

sexta-feira, 13 de outubro de 2017

"Rastros", de Agnieszka Holland


Rastros (Pokot - 2017)
Cenas importantes como a do padre católico defendendo que Deus fez os animais para serem subservientes aos homens, pensadas como dramaturgia rasa de telenovela, filmadas sem qualquer sutileza, prejudicam um filme que tenta desesperadamente transmitir sua mensagem nobre com imperdoável didatismo. A solitária professora Janina, vivida por Agnieszka Mandat-Grabka, é uma ativista pelos direitos animais que passa a investigar a origem misteriosa de uma série de crimes que ocorrem na Polônia.

Como crítica à cultura da caça e aos dogmas religiosos, o esforço é tremendamente válido, mas enfraquecido pela previsibilidade absurda que envolve o desenvolvimento do roteiro e, especialmente, opções estéticas como o foco nos olhos ou lábios dos personagens quando expressavam algo asqueroso, recursos simplórios e desgastados. O ritmo se perde após os primeiros trinta minutos, a experiência se torna bastante cansativa, a diretora Agnieszka Holland parece não saber exatamente qual subtrama seguir. 

“Rastros” não é competente enquanto suspense e a tentativa de injetar um interesse romântico no momento mais equivocado é pífia, sem qualquer relevância. Nas mãos dos irmãos Coen, este projeto até poderia funcionar, mas nem mesmo a aura de fantasia que a diretora estabeleceu tão bem em seu “O Jardim Secreto”, elemento presente no livro original de Olga Tokarczuk, consegue ser emulada desta feita. O melhor trabalho de Holland continua sendo “Eclipse de Uma Paixão”, de 1995.

"Logan Lucky - Roubo em Família", de Steven Soderbergh


Logan Lucky - Roubo em Família (Logan Lucky - 2017)
Se a estratégia do Steven Soderbergh com todo aquele papo de aposentadoria objetivava tirar da equação o elemento da expectativa em seus trabalhos, funcionou sobremaneira, porque se “Logan Lucky” viesse na esteira de seus projetos mais celebrados, provavelmente seria ignorado, mas, como inesperado retorno, entrega em sua leveza despretensiosa um par de horas agradáveis. 

Um filme de assalto em que o roteiro faz questão de não levar seus personagens a sério, espécie de primo pobre e propositalmente desajeitado de “Onze Homens e Um Segredo”, refilmagem do clássico protagonizado por Frank Sinatra, que Soderbergh revitalizou em 2001. Adam Driver e Channing Tatum vivem irmãos (ideia, por si só, engraçada) que se unem em um plano para fazer um assalto em plena corrida da NASCAR, mas quem rouba verdadeiramente a cena é Daniel Craig, vivendo um especialista que, de tão competente, acabou na penitenciária. Eles irão eventualmente unir forças com a irmã azarada, vivida por Riley Keough, neta de Elvis Presley. O terceiro ato perde ritmo com a entrada de uma personagem sem relevância na trama, momento inglório de Hilary Swank, desperdiçando tempo precioso que poderia ter sido utilizado para aparar arestas nas personalidades dos principais, que, sem exceção, são caricaturas unidimensionais. 

O humor funciona na maior parte das vezes, mas o charme inicial se desgasta rápido. Entretenimento inofensivo, o que não é um grande elogio quando se trata de um diretor como Soderbergh.

quinta-feira, 12 de outubro de 2017

Sétima Arte em Cenas - "Os Guarda-Chuvas do Amor", de Jacques Demy


Os Guarda-Chuvas do Amor (Les Parapluies de Cherbourg – 1964)
“Eu nunca serei capaz de viver sem você...”

Cada linha de diálogo neste maravilhoso filme de Jacques Demy é cantada, o que pode afastar aqueles que não conseguem apreciar as potencialidades inerentes ao gênero musical. Eu sou completamente apaixonado pela obra, sentimento que apenas se fortaleceu ao vê-la recentemente, pela primeira vez, na tela grande, exibida na mostra “Jacques Demy – Entre o Realismo e a Fantasia”, em que tive a honra de escrever um texto para o catálogo, abordando a história de amor entre Demy e Agnès Varda.

O inesquecível desfecho é percebido por muitos como algo intensamente triste, até depressivo, mas eu enxergo nele a beleza da maturidade do rapaz (Nino Castelnuovo), a segurança com que ele se despede daquela que o trocou outrora por uma ilusão de estabilidade financeira e, emoldurada pela linda trilha sonora de Michel Legrand que ganha contornos apoteóticos no momento, a pura felicidade com que ele se volta para beijar a doce Madeleine (Ellen Farner) e brincar com seu filho. Geneviève (Catherine Deneuve), adolescente mimada, sem resistir aos impulsos gananciosos da mãe (Anne Vernon), aceitou entrar de cabeça em uma relação com alguém que sequer conhecia direito, Roland (Marc Michel), um elegante endinheirado, ao invés de aguardar o retorno de seu namorado pobretão que trabalhava em uma oficina mecânica, vale ressaltar, mesmo ofício do pai do diretor, e que havia sido enviado para a guerra. Ela, sim, como enfatiza o refrão da música, nunca será capaz de viver sem ele, o seu rosto, apesar de ricamente adornado, mesmo antes de reconhecer o rapaz pela janela do carro na noite nevada, ostenta uma miserável tristeza, ela ajeita o penteado no espelho como quem se agarra àquilo que restou de sua personalidade. Já Guy, esbanjando no início do filme leveza e ingenuidade, forjou seu caráter com a dor, agora a encara sem medo, enquanto ela frequentemente desvia o olhar, consciente do equívoco cometido. Ao questionar se ele gostaria de conhecer a própria filha, o rapaz não pensa duas vezes, por respeito à criança que não teve culpa, ele nega a oferta e indica que já está na hora dela partir. Aquela é a realidade que Geneviève buscou, que ela durma na cama que armou. “Só se morre de amor no cinema”. Na vida real, quando o indivíduo é emocionalmente maduro, ele se encarrega de redirecionar a rota, a adaptação faz parte do processo natural de autoconhecimento.

A separação é um final feliz, porque Guy silenciosamente confirma que fez a escolha certa ao prestar atenção na tímida e generosa Madeleine, que abdicou de boa parte de sua juventude para cuidar de sua tia adoentada, enquanto o admirava nas sombras. Ele merecia ser amado por ela, que merecia ser amada por ele. O trabalho dos dois irá garantir a justa estabilidade financeira que a mãe da outra tanto desejava. Já a sonhada riqueza material que Geneviève conquistou jamais trará paz à sua alma. A oportunista que seguiu viagem imersa em culpa merece continuar em seu casamento frágil alicerçado na mentira, elemento evidenciado na opção da melodia fúnebre como marcha nupcial. Eternamente frustrada, vazia, sem rumo. O afeto sem interesse, o amor genuíno venceu. 

quarta-feira, 11 de outubro de 2017

Varda e Demy - A Mais Bela Declaração de Amor


Eu creio que a melhor maneira de se conhecer alguém é analisando o indivíduo pela ótica daquela pessoa com quem estabeleceu uma parceria amorosa plena. Você pode enxergar o lado mais sombrio, o mais doce, os conflitos existenciais e os gestos altruístas, com a particularidade de uma abordagem bastante intimista, nunca rasa, sempre surpreendente. Familiares e amigos, por mais próximos que sejam, lidam apenas com o envoltório envernizado socialmente, aquela couraça que busca ser aceita e querida por seus semelhantes, temida por seus desafetos, respeitada profissionalmente, em suma, a incógnita. A verdade não é tão facilmente conduzida à luz, já que rejeita rótulos, apenas se revela com a convivência duradoura na fase adulta, dividindo o mesmo quarto, consolando e sendo consolado, aplaudindo e sendo aplaudido, admirando e sendo admirado. É por esta razão que tantos inconscientemente fogem desta rotina, ou se frustram após o espocar das rolhas de champanhe nos rituais festivos, o medo de que o outro realmente o encare sem máscara. E também é exatamente por esta razão que Agnès Varda e Jacques Demy, a exploradora do tangível mundano e o contador romântico de ilusões utópicas, autodidatas incrivelmente dedicados e despidos de vaidade profissional em uma área tomada por ególatras, estabeleceram um vínculo afetivo que vai muito além de qualquer definição, subverte qualquer clichê.

Varda inicia seu documentário “O Universo de Jacques Demy”, de 1995, afirmando que irá manter uma postura discreta em sua tentativa de fazer com que o público, os apreciadores dos frutos da criatividade dele, conheça um pouco mais sobre o homem por trás do nome famoso, a realidade por trás da mitificação que o cinema, como ferramenta de sonhos, naturalmente produz. Seria compreensível que o ponto de partida convencional fosse uma narrativa de como ele começou a se interessar pela arte, mas a primeira informação importante citada já ressalta a qualidade mais nobre em uma parceria amorosa, o respeito profundo pelo processo do outro, apesar de exercerem a mesma função e com o mesmo nível de excelência. Ela revela sorridente que os dois costumavam visitar as locações de filmagem um do outro com total discrição, um ponto aparentemente irrelevante, mas que diz muito. Em outro momento, após o sucesso mundial de “Les parapluies de Cherbourg”, tendo sido avisada por Demy que não era para repassar a ele qualquer ligação telefônica de produtores de Hollywood, Varda, sabendo que a atitude dele ingenuamente tentava esconder o medo de abraçar o sonho de infância com o frágil ímpeto orgulhoso, atravessa a camada superficial da caricatura de autor íntegro e reforça quase que maternalmente a importância de não evitar a oportunidade. O casal nunca trabalhou junto, mas é claramente perceptível que o sentimento genuíno nos bastidores garantia a paz de espírito que se transmutava na aura poeticamente sensível de seus filhos cinematográficos.

Os dois se conheceram no Festival Internacional de Curta-Metragem de Tours, em 1958. Ele defendia “Le bel indifférent”; ela, “Du côté de la côte”. No ano seguinte já estavam morando juntos. Demy, num gesto de grandeza, adotou Rosalie, filha que Varda havia tido em seu relacionamento anterior com o comediante Antoine Bourseiller. Tomado de inspiração, ele ganha confiança e se aventura no primeiro longa-metragem, o excelente “Lola, a Flor Proibida”, protagonizado por Anouk Aimée, e com uma canção cuja letra foi composta por Varda. Logo depois os dois se casam, em 1962, o mesmo ano em que o mundo conheceria a obra-prima dela: “Cléo das 5 às 7”. É fascinante constatar que, apesar de já lutarem na área há anos, experimentando com a câmera e as possibilidades estéticas e narrativas, o desabrochar definitivo, o amadurecimento artístico dos dois ocorre em paralelo com a feliz reunião. O filho dos dois, Mathieu, nasce em 1972, dezesseis anos depois ele estrearia como ator no ótimo “Le petit amour”, sendo dirigido pela mãe, vivendo o adolescente gamer que conquista o coração de uma mulher mais velha, interpretada por uma inspirada Jane Birkin. Nos momentos difíceis, os dois se bastavam. Enquanto Varda recebia elogios dos colegas cineastas franceses, Demy começou a ser atacado após alcançar reconhecimento popular, os jovens turcos da nouvelle vague, como Godard, consideravam que ele havia se vendido ao entretenimento frívolo e politicamente vazio da indústria americana, uma campanha baixa e movida pela inveja profissional que prejudicou sua carreira, dificultando o processo de conseguir financiamento, abalando sua autoestima. Se hoje, Demy é considerado de forma justa um gênio do cinema, devemos isto aos esforços incansáveis de sua esposa.

Em seu documentário: “Le demoiselles out eu 25 ans”, registrando a repercussão da obra de Demy vinte e cinco anos depois das filmagens de “Les demoiselles de Rochefort”, Varda, apenas três anos depois do falecimento dele, escolhe mostrar como aquela peça de ficção modificou as vidas de várias pessoas que não estavam diretamente ligadas à produção, o poder agregador do cinema, a alegria que a arte daquele grupo de profissionais trouxe para os moradores e para a cidade como um todo. Ruas foram nomeadas em homenagem ao filme, pessoas de todas as idades cantam e dançam o orgulho que sentem, eles até se vestem como os personagens! Como mensurar o valor de algo que se recusa a perder relevância com o tempo? Não é apenas um entretenimento casual que pode ser facilmente substituído por uma partida de gamão, cinema é um veículo mágico que une pessoas de diferentes credos, raças e ideologias políticas. E aquele que consegue operar esta mágica merece todas as homenagens.

Quando Varda aborda o tema da infidelidade conjugal no excelente “Le bonheur”, de 1965, faz com a coragem de uma mulher que celebra a liberdade e questiona sem reservas a antinaturalidade da monogamia, apontando para o conceito discutível do ritual do casamento como contrato, instrumento de controle social, inserindo nas pulsões naturais a pecha do pecado, a cultura da culpa e da remissão pela aceitação do cabresto. Demy, apesar de extremamente discreto em sua vida pessoal, viveu plenamente sua bissexualidade, ele marchava no ritmo de seu próprio tambor ideológico. O amor não é algo que pode ser facilmente sintetizado, embalado para presente, ele não se adequa às pressões da sociedade, sempre encontra uma rota de fuga, ele não é o destino, mas, sim, o ponto de partida. No funeral dele, ela tirou duas cópias de “Les parapluies de Cherbourg”, dividiu a trágica cena de despedida em frames individuais e os deixou em uma pilha na saída, para que as pessoas decidissem, ao final da cerimônia, qual momento eles manteriam na memória afetiva como lembrança do artista. Até mesmo em seu tempo de luto, que tremendo ser humano, ela se preocupou em destacar o trabalho dele.

Acho válido salientar que Varda, mesmo tendo seu nome usualmente ligado ao movimento feminista, inteligentemente reconhecia que o pensamento lúcido caminha sempre no centro da estrada, nunca nos extremos. Ela dedicou grande parte de sua vida a fazer de tudo para que o conjunto de obra do homem que lutou ao seu lado não se perdesse nas páginas da história, zelosa guardiã de seu legado artístico e, acima de tudo, difusora apaixonada de seu valor humano. Ela foi a maestra que regeu a sinfonia de sua memória, potencializando emoção ao marcar o compasso das grandes conquistas pessoais e sabendo extrair e generosamente compartilhar com o público o aprendizado residual obtido nos eventos convencionalmente classificados como de menor importância, por exemplo, a visita terapêutica frequente à sala de cinema na adolescência, o encanto avassalador pelo potencial crítico da teatralidade antinatural no gênero musical, ou o lúdico apreço na infância por marionetes, com a plena consciência de que a essência de todo indivíduo não reside em suas convicções, mas, sim, no limiar de seus questionamentos, na madura aceitação do poder libertador da dúvida.

Como no monumental “Jacquot de Nantes”, ao traçar no cotidiano do menino os rastros das angústias que o levaram a buscar na irrealidade cinematográfica doses medicinais de conforto, a força que o manteve feliz mesmo inserido em um cenário de guerra, ela, como arqueóloga patrocinada pela gratidão, evocando o garimpo natural de carinhosa documentarista, encontra nas escavações psicológicas os impulsos que forjaram o caráter do homem de sua vida. E, em um gesto de despedida muito emocionante, transforma a jornada dele em filme, eternizando a relação na arte. Não há declaração de amor mais bela na vida real, muito menos na ficção. 

* Texto escrito para o catálogo da Mostra "Jacques Demy - Entre o Realismo e a Fantasia", com curadoria de Sylvio Gonçalves, que está sendo apresentada na Caixa Cultural (RJ), de 10 a 22 de outubro de 2017. 


quinta-feira, 5 de outubro de 2017

"Blade Runner 2049", de Denis Villeneuve



Blade Runner 2049 (2017)
(O texto aborda detalhes da trama, então recomendo que seja lido após a sessão)

O tom e o ritmo deste filme ecoam de forma cristalina o original de Ridley Scott, como é gratificante constatar que Denis Villeneuve corajosamente não fez concessões mercadológicas e verdadeiramente abraçou o espírito da obra de Philip K. Dick, com o roteiro de Hampton Fancher (responsável pelo original) e Michael Green expandindo consideravelmente as discussões propostas, inclusive adaptando conceitos do livro que não haviam sido utilizados, mas, ainda assim, funcionando perfeitamente para aqueles que não viram o anterior.

“Blade Runner 2049” valoriza o peso de cada segundo, as cenas são longas e os diálogos são poucos, a trilha sonora de Hans Zimmer reforça o caos visual que a fotografia de Roger Deakins estabelece logo nos primeiros momentos, um mundo sem sentido e que perdeu humanidade, forçando o espectador a compreender a angústia existencial do protagonista. A estrutura narrativa não força pontos convencionais de conexão por identificação, há um distanciamento coerente, já que acompanhamos a investigação pelos olhos do personagem de Ryan Gosling, um replicante consciente de que não existe opção contrária às ordens da sua superiora, vivida por Robin Wright. É curioso, apesar da trama não apelar para o sentimentalismo, em sua serenidade, ela entrega um desfecho emocionalmente arrebatador. A razão é simples, não se trata de ficção futurista escapista, o interesse não está em construir um universo franqueado para ser trabalhado em outros projetos, a estética é deslumbrante, os efeitos visuais são espetaculares, mas o que importa fala baixo e diretamente ao coração de todos nós.

Os replicantes fugitivos do original buscavam encontrar o criador e sobreviver, impedir o desligamento, os do novo lutam pela liberdade, a sociedade os limita como cumpridores de tarefas, eles querem ser mais, eles são inspirados pelo sonho que nasce com o milagre, a possibilidade da procriação, a continuidade, o legado. Somos todos replicantes em busca de um sentido para a existência. A inteligência artificial Joi, vivida pela linda Ana de Armas, irresistível personalidade enquanto holograma, perde todo o encanto ao vivenciar uma experiência física, a satisfação sexual com a ajuda de um avatar não traz tanta ternura, a câmera reforça que é algo puramente mecânico, irrelevante perto da emoção que o simples toque virtual das mãos provocou em uma cena anterior. O sentimento não se reduz à carne, as memórias são muito mais importantes, moldamos carinhosamente as lembranças e buscamos afeto, por conseguinte, tememos a finitude. A sequência magnífica envolvendo artistas de outrora eternizados em hologramas no que restou de Las Vegas representa com inteligência este leitmotiv. 

O simbólico origami em formato de unicórnio do original é substituído por um pequeno cavalo de madeira, também trabalhado artesanalmente, mas com uma carga emotiva maior, o presente de um pai, a celebração do lúdico infantil. O elemento que move os personagens principais é a carência, o desejo de pertencer a algo significativo, afinal, não queremos acreditar que a vida é uma breve jornada do pó ao pó. Quando revemos Deckard, melhor atuação de Harrison Ford em muitos anos, encaramos nosso reflexo no espelho, o indivíduo que luta para manter viva a essência, sabendo que todo o resto se perdeu com o tempo. É algo novo que o ator insere, camadas psicológicas que não eram necessárias em sua versão mais jovem. O roteiro é tão complexo, que faz o original parecer um prólogo charmoso. Se o primeiro tinha mais senso de aventura, no novo o impacto emocional na resolução do conflito principal e as reflexões pós-sessão que ele instiga compensam qualquer problema. 

Neopentecostalismo

* Texto escrito em 4 de agosto de 2014, para minha extinta coluna no site da Anna Ramalho, que resgato hoje, já que o tema se mantém atual (e perigoso) em nosso cenário político.

Os estelionatários, sem pagar impostos, somente crescem em número, alimentados pela ingenuidade de um povo carente, fortalecidos pela omissão de muitos. Eu me envergonho de emissoras de televisão que abrem espaço em suas programações para estes mercadores da fé. Artistas que deixam os princípios na porta do escritório do contrato, avalizando com sua popularidade estes exploradores sem escrúpulos. 

Você pode escrever cinquenta laudas sobre a invasão dos neopentecostais desde a década de setenta no Brasil, simbolizada por televangelistas, com foco jornalístico, aprofundando na questão da histeria coletiva que ocorre nos cultos, em efeito placebo, glossolalia, cultura do medo, pode escolher a vertente psicológica. Quem realmente precisa compreender esta questão nunca irá se interessar em ler suas linhas, não por motivo de gosto pessoal, simplesmente por não ter o hábito da leitura. É um equívoco tentar modificar a forma de pensar daqueles que agem sem raciocínio lógico, por puro impulso.

Qualquer pessoa minimamente instruída reconhece as razões óbvias do crescimento do neopentecostalismo exatamente nas regiões mais pobres, a força que a vestimenta elegante e os rituais exercem naqueles mais sugestionáveis. Estes não precisam nem ler mais sobre o assunto, pois já estudaram a fundo o tema. Você pode preparar textos profundos analisando o assunto, abordando a utilização intencionalmente equivocada do Velho Testamento, mas irá satisfazer apenas os que já compartilham da mesma opinião. O neopentecostalismo NÃO foi pensado com tanto refinamento ideológico.

Você pode afirmar que os pastores, assim como vendedores de qualquer loja, recebem metas mensais com planilha de comissão. Você pode afirmar que eles aprendem numa espécie de workshop sobre como abordar o cliente com a contundência necessária para que ele entenda que somente receberá as bênçãos que precisa ao oferecer dinheiro. Quanto maior a soma, melhor serão as glórias conquistadas.  Se ele não oferece dinheiro, ele não é especial, não foi "tocado" pelo divino. Existem até vídeos que mostram pastores discutindo sobre como iludir melhor neste intuito, mas aquele que não quer enxergar, aquele que necessita do conforto que a ilusão oferece, não aceita a informação como verdadeira, numa espécie de variação da dissonância cognitiva que, em níveis diferentes, atinge todos os praticantes de qualquer religião.

É como o cigarro. Ninguém obriga o cidadão a comprar o maço e destruir gradativamente seu organismo. Ele ignora até mesmo a imagem horrível do pulmão doente que acompanha a embalagem, dizendo que está ciente do mal que aquilo faz. Não temos que focar no "cigarro", mas, sim, no psicológico de quem o compra. Existe o elemento da consciência no caso que cito no texto? A fé seria um vício, simbolizado pelo interesse em repetir o efeito placebo da dor que deixa de ser sentida momentaneamente?

A histeria coletiva dos cultos, um verdadeiro show patético com exorcismo de falsos endemoniados, não seria um extravasamento, o ponto alto em um dia chato e sem brilho? Como combater algo que é desejado intensamente? O objetivo deve ser, em longo prazo, inserir na equação nefasta o único elemento que pode acabar com o reinado dos espertos: Educação. Um povo educado, lúcido, culto, age conscientemente, logo, está imune aos berros dos pastores.

quarta-feira, 4 de outubro de 2017

TOP - Os 48 filmes dirigidos por Woody Allen (para o site norte-americano "Taste of Cinema")


How to celebrate such a long career, characterized by the plurality of talents, from its origin as a stand-up comedian to a respected filmmaker, when the protagonist has always been so aware of the existence of this veil of falsehood that wears the praise and awards? The man who, at the beginning of his career, dared to deny the embrace of the expectations of his audience, delivering the austere "Interiors", when everyone expected another light comedy. The fearless one that made "Stardust Memories", a risky thematic proposal that made several critics write that this would be his last project. And recently, demonstrating a fascinating lucidity, he deconstructed the nostalgic sense that embellishes everything it touches, in "Midnight in Paris." This brave artist who annually ignores the producers adulation, refusing Oscar spotlight to play jazz with his friends. The elegant rebel who, without bending to any interest of the masses, anually has all the great actors and actresses, medallions of several generations, anxiously waiting for the chance to receive their timid instructions on the film sets. Woody has become a label, being contested by nations that want to pay him to enclose its characters in their territories. Impressive five decades of rare qualitative constancy, tracing an alternative path paved by the dreams of the boy of yesteryear, Allan Stewart Konigsberg, who at first thought he could get some money writing humorous articles for the vehicles of the region.

This is a complete list of his films as a director, ranked from worst to best.

48 - What's up, Tiger Lily? (1966)
Allen already demonstrates in his first work his tremendous sense of humour daring to take a Japanese satire of the espionage films, in ascension in the time, thanks to the James Bond of Sean Connery, and dub it. Soon in the first scenes we see the director sitting in a respectable office, explaining that he had been summoned by Hollywood to make the definitive espionage film. When asked about the novelty of such a feat, he replies that it had already happened other times, as in "Gone With the Wind." It takes three minutes for the young filmmaker to show off his talent. Nowadays it is common to see this artifice being used in films such as the horrible "Kung-Pow", but he was the pioneer of this extremely dubious art.

47 - Oedipus Wrecks (segment of "New York Stories" – 1989)
Driven by the lightness of the anthology format, Woody exercises with great freshness his comedic talent. And undoubtedly, his half-length is responsible for "New York Stories" still be remembered nowadays. The efforts of Coppola and Scorsese are, at best, harmless. After a total immersion in the existentialist dramas of "September" and "Another Woman," the director revisits his more fun side, mixing themes already worked on texts and inserting glimpses of situations that he would perfect in his productions of the 2000’s, as in "Scoop", where a magic trick is used as a narrative trigger.

The scene where Allen, initially disturbed by his mother (Mae Questel, unbelievably looking just like the director's mother) being summoned to aid in the magician's trick, can not hide the joy at seeing the professional shoving several swords into the box where she went placed. Her dissatisfaction with Mia Farrow's son's fiancée is the supernatural motive that keeps her as an entity in New York's heavens. Only when he rediscovers an old love, the fortune-teller/clairvoyant lived by the brilliant comedian Julie Kavner, the poor mother, showing her approval, returns to her normal state. Sheldon is not interested in understanding how the phenomenon occurred, he is more interested in resolving his relationship with her. The inexplicable, recurring theme in his films, again used as an unquestionably absurd and foolish means, however, acceptable to achieve a greater good.

46 - Hollywood Ending (2002)
The idea of ​​a film director who goes blind and needs to pretend to see to keep working is funny in theory but does not support a feature film script. Could have been a brilliant short, but it’s charming nonetheless.

45 - Magic in the Moonlight (2014)
Some interesting reflections on skepticism, but Allen has already proven to be capable of much better texts in the theme. Beautiful art direction, competent cast performances, but tiresome and predictable.

44 - You Will Meet a Tall Dark Stranger (2010)
The bitter irony of the realistic ending is what redeems a boring script that unfortunately can not make his characters sound interesting.

43 - To Rome, With Love (2012)
The story about the newlyweds was clearly inspired by Fellini's "The White Sheik", the libertarian tone sounds quite artificial, but the film comes into force when Allen is on the scene.

42 - A Midsummer Night's Sex Comedy (1982)
The script was conceived in just two weeks, commissioned by the studio to "plug the hole" that would be caused by the delay in production of "Zelig". The rush is easily noticeable in the finished work (poorly developed characters such as the doctor who is shown as a person centered but who tries to commit suicide by not having the love of a woman whom he has just met), although he has some very scenes good, the whole is pretty bumpy. Woody's weakest film up to that point. Seeking inspiration from his idol Ingmar Bergman (specifically “Smiles of a Summer Night” - 1955), the screenplay explores the flirtation game between three couples who gather in an idyllic location to celebrate the wedding of one of them. It was the first project that counted on Mia Farrow, in a long partnership that would yield great artistic fruits and a huge problem in the justice.

Among the high points, I highlight Adrian's libido romper with her husband, after receiving the spiced Dulcy, some sex tips (Allen: "We can not have sex where we feed, besides, there's a man chanting the "Lords Prayer" in the room, we will be blind"). To simplify his opinion about the importance of sexual relations, Allen's character states: "Sex relieves tension, while love causes tension." After the elegant Leopold tells of her wild erotic dream with Dulcy, she is frightened and asks him, "Jesus, what did you eat before you went to sleep?" They are small moments where we can realize that, even creating something in a hurried way, Woody Allen manages to make an above-average film.

41 - Irrational Man (2015)
Sinning for high philosophical pretension, the script gets lost in act two, but the inspired presence of Joaquin Phoenix helps keep the hope to the schoking end.

40 - Cassandra's Dream (2007)
An excellent ending in search of a plot that honors it. The choice for the style and rhythm of contemporary thrillers highlights Allen's discomfort with the material, but the excellence of the duo Ewan McGregor and Colin Farrell make up for it.

39 – Alice (1990)
Alice (Mia Farrow) is a middle-class woman who feels bored by her 16-year marriage and falls in love with an elegant saxophonist. In search of happiness, she meets the acupuncturist Dr. Yang. The doctor realizes that Alice's problem is in her mind and decides to prescribe strange and mysterious herbs that provoke unusual reactions. The delirious and bittersweet style that married perfectly in the wonderful “The Purple Rose of Cairo” leaves to be desired here.

38 - Don't Drink The Water (1994)
In the early 1960s during the Cold War, the Hollander family caused an international incident when Walter (Allen) took pictures of the sunset in a region of delicate political situation. In order not to stop in prison, the Hollanders take refuge in the American embassy. This film made for television adapts one of his most famous plays, one of his funniest texts, involving political and religious criticism.

37 - Everything You Always Wanted to Know About Sex... (1972)
Similar to what happened with his first work "What's Up, Tiger Lily?", Allen did not intend to approach this concept. United Artists bought the rights to the eponymous book, written in 1969 by the popular Dr. David Reuben. Woody was disgusted when Reuben went to the traditional "Tonight Show" and quoted one of his comic phrases, without telling the source. The young filmmaker then used all his comic verve and adapted the book in the best possible way, highlighting the most absurd aspects in a comedy of sketches.

Among its seven segments, there are two that I consider to be masterpieces in the director's career: "What is sodomy?" And "What happens during ejaculation?", they show a fully-fledged screenwriter, seeking to subjugate the limits and surpass them. In the first, Gene Wilder lives a doctor who falls in love with a sheep. The brilliance lies in the fact that Wilder acts seriously, as if he were a character out of Ian McEwan's novels. In the second, Allen interprets a sperm that undergoes an existential crisis, just minutes before its great moment. Nuff said. The other segments are fun but not very memorable.

36 - Small Time Crooks (2000)
Ray (Allen) is a dishwasher who has a great plan: rent a shop next to the bank and use it as a front to build an underground tunnel to rob it. The concept is simple as in the first comedies of his career, a kind of gift for those fans who missed his most clumsy persona.

35 – Celebrity (1998)
Acid critic that disrupts the falsehood of the high society lifestyle, the absurdity of projecting on the fragile fame industry the insecurity that the individual feels, with the script evoking the best works of Fellini.

34 - Everyone Says I Love You (1996)
The musical attempt is enchanting, with a brief and tender moment when the character of Allen yields to the inspiring power of fantasy as he sings the beloved Jazz standard “I'm Thru With Love”.

33 – September (1987)
Repressed love and hate circle threatens seemingly friendly relationships over a weekend of a family/friends group at a country house. The film that Allen remade from scratch, with another cast, had everything to be chaos, but seen without unjust expectations can propose interesting reflections that magnify the result. "Everything is random. With random origin in nothingness and eventually disappearing forever. "

32 - Café Society (2016)
He embraces digital footage for the first time, but continues marching in the rhythm of his own creative drums, the script touches on essential themes in his filmography such as the existentialist discussion about death, the irony of unrequited love and the acid deconstruction of melancholy nostalgic, with the same vitality of his first works. In this context, the beautiful tribute he lends to the most famous scene of his career, the Queensboro Bridge of “Manhattan”, takes on even more symbolic contours. And even the off-the-hook narration, a worn-out and usually harmful feature, enhances the viewer's emotional investment by being championed by the director's sympathetic voice.

31 - The Curse of The Jade Scorpion (2001)
Allen performs a lovely parody of the noir genre, set in the forties, terribly attacked by critics at the time, but which, carefully analyzed, proves to be superior to almost every comedy the industry releases on a monthly basis, even nowadays.

30 – Scoop (2006)
The construction of the characters arcs is great and the magician interpreted by the director, even though it is not very necessary in the film, end up giving that charming tone which improves greatly on revisions.

29 - Shadows and Fog (1991)
Allen, with one of the best casts he has ever been able to gather, pays a honest homage to German expressionism in the story of a fumbling bureaucrat joining a group of men pursuing a murderer.

28 - Melinda and Melinda (2004)
The structure of the story, from two points of view, tragedy and comedy, could be tiresome in less capable hands, but Allen injects undeniable freshness into the project.

27 - Whatever Works (2009)
A film with the characteristic existentialist humor of Allen, where a genius Larry David criticizes the dogmas of our society. To the characters, it remains only to watch in shock their theories of life, their certainties, fall miserably to the ground.

26 - Vicky Cristina Barcelona (2008)
Two young women, the conservative Vicky (Rebecca Hall) and the adventurous Cristina (Scarlett Johansson), travel to Barcelona to spend their summer holidays and end up engaging in amorous confusions with an extravagant artist and her insane ex-wife. Something in the tone and rhythm of this film, more than any element of the script, makes us end up wanting to review soon, a kind of a magical aura which permeates the work.

25 – Bananas (1971)
Woody Allen's style was still shaping, but all his courageous irony, as well as his authorial confidence, are already visible in this work, which can be exemplified by the references that are made, such as that of the Odessa staircase in "Battleship Potemkin".

24 - Mighty Aphrodite (1995)
Allen uses a classical greek theatre chorus in a very clever way, with the presence of F. Murray Abraham to help count ellipses of the narrative while satirising the tragical content of the story. A couple adopts a boy and the adoptive father (Woody) decides to know who is the biological mother of its son. He discovers that she is a prostitute, lived by Mira Sorvino.

23 - Blue Jasmine (2013)
Since “Hannah and Her Sisters”, Woody did not make up a female character with such passion for detail, without embracing the ever-comical cartoon of extremes. Completely attuned to the world today, the script establishes a jovial and biting social satire approaching class distinctiveness in a post-economic crisis landscape. Allen consciously abdicates some of his narrative features, such as his devotion to sentimentality, for the sake of building bolder dialogues that do not spare his characters in any moment. Generosity with his creations has never been the stronghold of the director, but ideological sadism this time resembles at various points the way the writer Tennessee Williams chose to address his plot. There is something of R.W. Fassbinder, in the way he works the protagonist's tragedy. He plays with our perceptions the moment we begin to convince ourselves of how the character will act, which leads us to automatically exercise a moral judgment. The script then hits us with a punch, by making us realize that we are as (or more) vulnerable as the potential target of our stones. After all, we witness the various "Jasmines" that exist in our society, aspiring only to "have" (adding value to futility), living from a languid illusion that corrupts the best human virtues.

22 – Sleeper (1973)
Miles Monroe is admitted to a hospital for a simple operation but ends up waking up two hundred years later in a world inspired by the works of H.G. Wells, Ray Bradbury and George Orwell. The director even talked to science fiction master Isaac Asimov, assessing how to approach this dystopian world of the future. Of course this chat must have made much more laughter than real discussions about the topic, since the project proposal was never to deal seriously about the future. Allen was beginning to show a grittier mood, with more elaborate gags.

21 - Anything Else (2003)
In Jason Biggs, Allen's bold option, we find the young version of the type that the filmmaker defended for most of his career. The script builds a humorous philosophical tangle from a simple-minded situation that happens on a taxi ride.

20 - Radio Days (1987)
At the beginning of World War II in New York, a simple Jewish family has their dreams inspired by the radio programs of the time. The film mingles the nostalgic vision of a narrator to the innocence of his childhood. The radio, the union factor of the family, revealed behind the sound waves.

19 - Stardust Memories (1980)
In the film, Allen explores one of the consequential aspects of fame, the gathering of an entourage of admirers, some even fanatics, who seek in the director a satisfaction of their personal desires. His character seeks out a new path, an artistic challenge, experimenting in different genres, but his audience quizzes him debauchedly and rejects him. Surely it is a response of the filmmaker after the cold reception of the public with his project of dreams: "Interiors." His fans are portrayed by the ugliest extras and caricatures already assembled in a single project. They constantly approach him with absurd arguments, analyze his works out of context and interpret them in the most misguided way ("the humorist is a symbol for homosexuality"), interrupting him in routine situations to apply for a job. Even beings from space descend from their ships to assert to him that they prefer their early comedic films.

18 – Interiors (1978)
The commercial success of the previous film only established, more so, in the director's mind, the desire to demonstrate to be able to emulate his idol: Ingmar Bergman. He always underestimated the value of his own works, comparing them with the works that were performed by other, more engaged directors of the day, without realizing that laughter is a more forceful criticism than austerity. The fact is that the film deals with a very strong theme, without ever appealing to the necessary subterfuge of comic relief, making everything very reflective and austere.

17 - Manhattan Murder Mystery (1993)
How fascinating to realize the irresistible chemistry between Woody Allen and Diane Keaton, one of the best movie partners. The humor that sprouts in pieces subtly inserted between dialogues, a constant game of scene between two artists that make clear the love and respect they feel for each other. After a long hiatus, symbolized by the erratic Mia Farrow era, the duo meets in a plot that honors the formula of classic Hollywood detective thrillers. The director always wanted to approach this universe, so he took a tense moment in his life to relax in the project, well deserved vacations. This more unpretentious attitude in filming ends up being positively reflected in the end result, considered by many to be his funniest film of the decade.

In the most tense scenes, putting into practice the teachings of Hitchcock, Allen insists on exposing the public to the dangers, leaving him always ahead of the characters, which enhances the suspense, balanced with his characteristic sense of humor, element that, in a different tone, was also present in the films of the British master. I quite like the way the script instills his wife's obsession as the catalyst for a welcome renewal in that worn-out relationship. The clumsy investigation connects the couple again. It is also interesting how the plot, in a layer of interpretation less apparent, conflicts with the concept of art socially considered as serious and respectable (the husband does not bear to listen to opera), and popular art, cinema, specifically the comedic genre, that playfully framed the ending, with the direct reference to "The Lady from Shanghai" by Orson Welles.

16 - Bullets Over Broadway (1994)
In the 1920s, a theatrical author (John Cusack) was forced to accept in the cast of the play a young woman (Jennifer Tilly) with no talent, as she is the girlfriend of the gangster who produces the show. And as if that were not enough, the bodyguard (Chazz Palminteri) of the young woman decides to interfere all the time in the script of the play. The script is excellent, perfectly balancing the love declaration of theater and the criticism of the lack of freedom in the process of creating a piece of art.

15 - Husbands and Wives (1992)
Gaby (Woody Allen) and Judy (Mia Farrow) are shocked by the news that Jack (Sydney Pollack) and Sally (Judy Davis), a very close couple of them, are splitting up, most likely because Gabe and Judy are also distancing themselves and now realize this. So as Jack and Sally try to meet new people, Gabe and Judy's marriage turns out to be worn out and they begin to feel attracted to other people. With a more intimate style of filming, consistent with the intimate approach to the characters, Allen delivers a brutally real portrait of a relationship that is going down, sinking into their illusory perceptions of life.

14 - Sweet and Lowdown (1999)
Allen's homage to Jazz, his favorite style of music, could not be more passionate, favored by a spectacular, visceral delivery of Sean Penn, and a documentary structure that is set up by the script, with "false testimonies", half-cut edition, resulting in a beautiful delicacy.

13 - Take The Money and Run (1969)
The first ten minutes are great because we get to know the young man's first steps in crime. Of course, before he tried a simple life, like a cellist. The problem was to follow the street band, with its instrument in one hand and, in the other, a chair. There was no way, for the route of crime seemed to be at its destination. After petty thefts, he was arrested for the first time. Inspired, he tried to flee using a bar of soap and his craft expertise. A few days later, with his perfect soap revolver painted with shoe grease, he ventured to cross the walls that imprisoned him. Bad luck, he did not notice the torrential storm that punished that place, making, in a few seconds, to the surprise of the police, his revolver turned a large ball of foam. Comedy perfection with very low budget.

12 - Another Woman (1988)
In order to write her new book, an intellectual from New York rents an apartment that has a psychoanalysis office as a neighbor. Through her apartment you can hear the confessions of the patients, especially of a pregnant patient, intensifying a dormant existential crisis in her. Allen emulates John Cassavetes, including working with his muse, Gena Rowlands, with some of the best dialogues ever written in his career. “And I wondered if a memory would be something you have or have lost. ”

11 - Deconstructing Harry (1997)
Allen extrapolates the bond between fiction and reality, exploring the monotony of life in one of the most brilliant films of his career. He acts as a writer who creates a character in which his analyst tries to show him how much he wants to control the world through his unfocused view of so many idealizations, illusions, avoiding to see life as it truly is.

10 - Match Point (2005)
Chris Wilton (Jonathan Rhys-Meyers) is a professional tennis player who, tired of the travel routine, decides to leave the circuit and devote himself to teaching sports in an elite club. It is there that he meets Tom Hewett (Matthew Goode), son of a wealthy family who soon becomes his friend due to some interests in common. Invited to go to the opera, Chris meets Chloe (Emily Mortimer), Tom's sister. Soon the two begin a relationship, to the joy of her parents. Chris is shaken when he meets Nola Rice (Scarlett Johansson), Tom's beautiful girlfriend who is not well accepted by his mother. Surprising the world, Allen has renewed his art with the courage of a young man who is trying to steady his name in the industry.

9 - The Purple Rose of Cairo (1985)
Inspired by Buster Keaton's "Sherlock Jr.", Woody creates one of the most beloved unanimity of his career, impossible not to be enchanted by the plot of this film. The trajectory of the protagonist symbolizes the importance of art as a driving force to resist the sufferings inherent to the human condition, something that the director himself would rework in a beautiful sequence of "Hannah and Her Sisters. The waitress lived by Mia Farrow, fragile figure, can not see herself in the reflection of the mirror, without self-love, with her self-confidence destroyed after years of a relationship with a typical coarse macho type. With no prospect of improvement in her living condition, following the decrepitude of her devastated city by the Great Depression, she decides to spend most of her free time inside the movie theater, absorbing all the magic of that environment. The concept is simple, the photography of master Gordon Willis, in his last partnership with Allen, shows the fable elements of the plot, reserving for the internal cinema environment a warmly ethereal glow, contrasting with the faded tones of the sad world that the young woman finds when the lights turn on.

8 - Love and Death (1975)
In this comedy he explores the limits of his comfort zone, using bold references to the literary work of Dostoievsky and Tolstoy (it is worth remembering that in his earlier works he had been more protective of the slapstick and popular humor), his fascination with his idol Ingmar Bergman (notice how he films a Russian speaking directly to the camera), and a direct homage to his favorite film, "The Seventh Seal." The greatness of the production impresses and the director shows total confidence in his technique. Diane Keaton again fills the screen with her charisma and beauty, living the protagonist's cousin. Passionate about the complexity of the young woman, who espouses very witty dialogues in her existentialism, a new element in the director's work that would become a pattern, she is frustrated to realize that she does not see him with the same eyes of overwhelming desire. The script demolishes that austere seriousness that is usually present when discussing these themes.

7 - Crimes and Misdemeanors (1989)
A New York doctor (Martin Landau) tries desperately to cover up his wife for his life of betrayals. A documentary filmmaker (Woody) fights temptation while producing his new film. The director examines the human soul with disconcerting dialogues and strong inspiration in Dostoievski, working on two stories of adultery. Years later he would return to a similar theme in “Match Point”.

6 - Annie Hall (1977)
The most popular work of the director, laureate with the main Oscar of the Academy, besides just acknowledgments to the performance of Diane Keaton and the direction of Allen. The apex in the early part of his career, which would begin the following year to take bolder paths. The more sober style already shows the change of attitude soon in the initial credits, title in white Windsor source, contrasting with the black background, adopting the format that would accompany it for the following decades. After playing with the future and the past of society, subverting as a caricature, Woody, for the first time, appears as a character with which the public can identify. There is a lot of himself in the script, making it even more interesting to follow his stories about his childhood, especially the great sequence in which his classmates reveal what they will become as adults, instituting a simple and very efficient analogy: the house in which he grew up to the sound of the fights of the parents, under a roller coaster.

5 - Midnight in Paris (2011)
Woody, demonstrating a fascinating lucidity, deconstructed the nostalgic sense that embellishes everything it touches, evoking elements of science fiction, with a charming tenderness that evokes "The Purple Rose of Cairo." In choosing to make the journey in time performed by the protagonist represent the realization that the past, however fascinating, was not as perfect as he had idealized, the script highlights the importance of the individual to seek full satisfaction in their own reality. A very mature and exciting vision of a filmmaker who refuses to embrace creative conformism.

4 - Broadway Danny Rose (1984)
The film enchants mainly by the tenderness with which Allen portrays the characters. The protagonist is revealed to us through a relaxed chat, at a restaurant table, among comedians, lovingly remembering this talent agent who truly bet on his artists, no matter how simplistic they appear to be, of men who shaped dogs with balloons, even amateur magicians and one-armed jugglers. He valued more the human element, the possibility of, overnight, a stranger becoming famous for his Art, overcoming its limitations. Danny Rose does not fully believe in the quality of the numbers of his agents, this is what matters least, he genuinely has created a bond of friendship with them. By selling his works, he extols their character and kindness, a sort of love letter from Woody to the producer who bet financially on his work when he was just a shy young unknown comedian: Jack Rollins. The very concept of celebration of kindness, in an area so contaminated by egocentrism and dirty play, already enhances the theme of the film.

3 – Zelig (1983)
Criticism is accurate, showing how people shape themselves, even character, in order to please and be accepted. And, of course, dignitaries with the most diverse interests begin to use Zelig’s words as allegory for their activities. Zelig eventually becomes a sort of "Chance", the gardener played by Peter Sellers in "Being There." Mia Farrow lives a sweet doctor who believes that the phenomenon is psychological, a manifestation of someone who can not express herself, leading the script to also address the machismo of the time, showing the aggressive reaction of doctors to this new hypothesis. The treatment process is so efficient, that he can even disagree with other opinions, something unthinkable in his former reality.

2 - Hannah and Her Sisters (1986)
Inspired by "Fanny and Alexander" by his idol Ingmar Bergman, Allen works on the evolution of a family nucleus through three annual celebrations, from the standpoint of the leitmotiv advocated on the scene: "The heart is a very, very elastic muscle." In the most beautiful scene of the film, it captures what I consider the best explanation for life. His character believed he was about to die, saddened also by the impossibility of his wife becoming pregnant, without passion for the future, then he walks aimlessly for a few hours, guided only by the spark of hope that refuses to yield to the fatal disease which he believes he has. He even aimed the rifle barrel at his own head, believing there was no motivation in his existence. Nothing seemed to make sense until he entered a movie theater and, even wrecking himself in an ocean of depression, he found himself smiling with a comedy of the Marx Brothers.

The character concludes that even life being a ride on a roller coaster of more lower than highs, those brief moments of comfort and joy are worth the price of admission. And the unknown element inherent in all of us, who pursued him with so many questions, would never be fully revealed, no matter how insistently he asked. He then relaxes in the armchair, with all his internal conflicts succumbing to the weight of that mild entertainment, and allowed himself the pleasure of fun. The mood acquired in that session motivated his spirit to face another day. And a year later, engaging in a much happier relationship with another woman, in an unexpected act of fate, he is thrilled to have fulfilled the dream of being a father. Classic Allen!

1 – Manhattan (1979)
Woody's best work as an actor. This film represents the closing of the first cycle in Allen's career, after reaching the perfect mold with "Annie Hall" and venturing into his first drama, "Interiors." "Manhattan" is the perfect junction of drama, romance and comedy, pioneering what many call the "Woody Formula". From the beginning, to the sound of Gershwin's "Rhapsody in Blue," framing images of the city, to the excellent final dialogue between Woody and Mariel, where he discovers to be less mature than her, we find a writer confident and at his creative height. Black and white photography by Gordon Willis, who claimed to have been his best film, lends even more elegance to the project, including the iconic Queensboro bridge talk scene and the use of shadows in the planetarium chat. The way Mariel behaves, his naturalness in confronting Diane Keaton, when she asks about her occupation, who answers, "I go to school," and her latent admiration for the older, refined man, a complicated theme, the age difference in the couple, sound extremely natural. The text is great, co-written by Marshall Brickman, repeating the partnership of "The Sleeper" and "Annie Hall," but who steals the show is Mariel (and when Meryl Streep is in the same cast, that's saying a lot).

* Lista preparada para o site norte-americano "Taste of Cinema". Link para a postagem original: http://www.tasteofcinema.com/2017/all-48-woody-allen-movies-ranked-from-worst-to-best/