“Birdman”, de Alejandro González Iñárritu

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    Birdman (2014)
    É um desserviço tentar menosprezar a importância da
    metalinguagem na eficácia do resultado final. A angústia de um ator que tenta
    provar sua competência ao reflexo do espelho e aos seus colegas, tentando
    sobrepujar seus problemas pessoais, já foi contada diversas vezes pelas lentes
    do cinema, não é algo novo. Os aspectos técnicos, a fotografia de Emmanuel
    Lubezki, os planos-sequência, as trucagens visuais, são um deleite de impecável
    execução, mas a real beleza está em seu conteúdo. O que torna o filme especial
    é estar sendo lançado para a apreciação de uma geração que acompanhou a
    carreira de Michael Keaton, um comediante que ganhou a atenção do mundo ao
    interpretar um dos maiores heróis dos quadrinhos, um papel que marcou sua
    trajetória e eclipsou qualquer outro esforço posterior. O que “JCVD” fez com
    Van Damme, guardadas as devidas proporções, “Birdman” faz com Keaton.

    Quando Iñárritu se inspira no “Stalker” de Tarkovski, fazendo o protagonista
    mover objetos com o poder da mente, nós podemos imaginar a disputa interna de
    um ator que anseia ser levado a sério, vivendo o pesadelo de estar inserido em
    uma realidade de uma indústria que prioriza obras defendidas por personagens
    superpoderosos de trajes exóticos. O indisfarçável sentimento de culpa, em
    conflito constante com a gratidão profissional, por ter contribuído para que
    esse gênero passasse a ser respeitado e tido como lucrativo pelos executivos. A
    voz interna que o acompanha, no rouco inverossímil típico de um universo onde a
    presença dos óculos disfarça a identidade de um herói, clama que ele vista
    novamente o traje e abrace o lucro certo de uma nova produção. O roteiro
    inteligentemente critica a indústria, apontando o dedo para algo que estamos
    presenciando, atores veteranos que estão evitando o risco, retornando aos seus
    papéis populares clássicos, ao invés de estarem experimentando novas emoções,
    reinventando-se sem a preocupação com o aplauso do público, o que é essencial
    para um ator.

    Como é explicitado nos intertítulos que iniciam a obra, tudo se resume à
    necessidade de se sentir querido. Esse é o real vilão da trama, o Coringa do
    Birdman: o desejo de se sentir amado, não somente pelo público, mas também pela
    filha problemática, vivida por Emma Stone, alguém cujo relacionamento foi
    prejudicado pela rotina profissional que ele escolheu. A busca pelo carinho dos
    outros, o reconhecimento artístico, que acabou afastando-o daqueles mais
    próximos. Outra antagonista é representada pela crítica teatral, vivida por
    Lindsay Duncan, uma faceta odiosa que generaliza a função do crítico como um
    parasita cruel que não tem nada a perder, porém é capaz de destruir em um texto
    o produto dos riscos de outrem. É uma visão simplista, mas, infelizmente, não
    muito distante da verdade em alguns casos. Existem maus profissionais em todas
    as áreas, aqueles que verdadeiramente analisam com pedantismo, sem interesse em
    críticas construtivas, sem estofo cultural. O erro do filme, ainda que
    compreensível narrativamente, é generalizar essa imagem. “Ratatouille”, por
    exemplo, conseguiu trabalhar esse tema de forma muito mais justa. Um pequeno
    equívoco em um projeto que prima pelos acertos.

    A crítica à sociedade, um ambiente que o protagonista não consegue aceitar,
    pode ser simbolizada na excelente cena que acompanha sua corrida, trajando
    apenas uma cueca, em plena Broadway. O evento bizarramente onírico, o que
    realça o contexto metafórico, conduz o personagem a descobrir que ele pode se
    esforçar em sua Arte por toda sua vida, arriscar nas mais diversas
    interpretações, que nada disso irá se igualar ao sucesso popular obtido pelos
    incríveis acessos nas redes sociais advindos de uma tolice qualquer. Vivemos em
    um período onde a vergonha alheia recebe atenção no horário nobre da televisão,
    enquanto os verdadeiros artistas morrem esquecidos. Essa melancólica
    constatação potencializa ainda mais o conflito interno do protagonista. E,
    celebrando o trabalho meticuloso do diretor, sem correr risco de soltar
    spoilers, sinalizo para que redobrem a atenção ao desfecho, onde, pela primeira
    vez, o diretor opta por uma construção convencional, com cortes tradicionais e
    iluminação comum, como se, enfim, a fantasia tivesse sido abraçada pelo filme.
    A questão que fica ao final é: o público prefere a fantasia ou a realidade? Há
    uma função lúdica para a utilização predominante dos planos-sequência e, por
    conseguinte, a opção por modificar essa estrutura ao final.

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    Octavio Caruso
    Viva você também este sonho...

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